L'arte è stata brutalizzata dai giganti della tecnologia. Come può sopravvivere?

Copertina del libro La morte dell





Ci sono due storie che senti sul guadagnarsi da vivere come artista nell'era digitale e sono diametralmente opposte. Uno viene dalla Silicon Valley e dai suoi sostenitori nei media. Non c'è mai stato un momento migliore per essere un artista, va. Se hai un laptop, hai uno studio di registrazione. Se hai un iPhone, hai una cinepresa. GarageBand, Final Cut Pro: tutti gli strumenti sono a portata di mano. E se la produzione è a buon mercato, la distribuzione è gratuita. Si chiama Internet: YouTube, Spotify, Instagram, Kindle Direct Publishing. Ognuno è un artista; basta toccare la tua creatività e mettere le tue cose là fuori. Presto anche tu potrai guadagnarti da vivere facendo ciò che ami, proprio come tutte quelle star virali di cui leggi.

L'altra storia viene dagli artisti stessi, soprattutto musicisti ma anche scrittori, registi, persone che fanno commedia. Certo, puoi mettere le tue cose là fuori, ma chi ti pagherà per questo? I contenuti digitali sono stati demonetizzati: la musica è gratis, la scrittura è gratuita, i video sono gratuiti, le immagini che metti su Facebook o Instagram sono gratuite, perché le persone possono (e lo fanno) semplicemente prenderle. Non tutti sono artisti. Fare arte richiede anni di dedizione e ciò richiede un mezzo di supporto. Se le cose non cambiano, molta arte cesserà di essere sostenibile.

Eppure le persone continuano a fare arte. Più persone che mai, infatti, come amano sottolineare i tecnici. Allora come stanno riuscendo a farlo? Le nuove condizioni sono tollerabili? Sono sostenibili? Cosa significa, in termini pratici specifici, operare come artista nell'economia del 21° secolo?



Essere un artista è sempre stato difficile, ma quanto conta. Come hard influenza quanto riesci a fare la tua arte, invece di macinare nel tuo lavoro quotidiano, e quindi quanto diventi bravo. In primo luogo, quanto colpisce chi riesce a farlo.

La differenza ora è che è dura anche se trovi successo: se raggiungi ascoltatori o lettori, guadagni il rispetto di critici e colleghi, lavori stabilmente e a tempo pieno sul campo. Ho parlato di questi argomenti con Ian MacKaye, frontman delle band hardcore Fugazi e Minor Threat, e figura di spicco della scena musicale indie sin dai primi anni '80. Conosco molti registi, ha detto, che hanno investito il loro cuore, la loro anima e tutti i loro soldi in progetti molto prima di Internet che hanno perso il culo, perché non abbastanza persone volevano vedere il loro film. Ed è così che dovrebbe essere. Il problema ora è che spesso perdi il culo anche se un numero sufficiente di persone vuole vedere il tuo film, leggere il tuo romanzo, ascoltare la tua musica.

Se molti di noi sono ignari della difficile situazione degli artisti nell'economia contemporanea, c'è una ragione ovvia per questo. Non solo si fa molta arte; ce n'è molto, molto di più, a un costo inferiore, che mai. Per i consumatori d'arte, non c'è mai stato un momento migliore, almeno, non se equipara la quantità alla qualità o non ti preoccupi troppo dei lavoratori all'altro capo della catena di approvvigionamento. Prima c'era il fast food, poi c'era il fast fashion, ora abbiamo l'arte veloce: musica veloce, scrittura veloce, video veloce, fotografia, design e illustrazione, realizzati a buon mercato e consumati in fretta. Possiamo rimpinzarci a nostro piacimento. Quanto siano nutrienti questi prodotti e quanto sostenibili siano i sistemi che li creano sono domande che dobbiamo porci.



Il modo in cui gli artisti vengono pagati (e quanto) influenza l'arte che fanno, l'arte che sperimentiamo, l'arte che segna la nostra età e modella la nostra coscienza. È sempre stato così e significa che otteniamo di più da ciò che supportiamo, meno da ciò che non supportiamo. L'arte veramente originale - sperimentale, rivoluzionaria, nuova - è sempre stata un affare marginale. In tempi favorevoli per le arti, una parte maggiore viene trascinata oltre la linea della fattibilità, dove è in grado di sopravvivere, dove l'artista può restare e continuare a farlo, finché non può essere riconosciuta. Nei momenti difficili, di più viene trascinato dall'altra parte. Che tipo di arte ci stiamo regalando nel 21° secolo?

Le persone che pagano per l'arte sono quelle che determinano, direttamente o meno, ciò che viene prodotto: i mecenati rinascimentali, gli spettatori borghesi del XIX secolo, il pubblico di massa del XX secolo, gli enti finanziatori pubblici e privati, gli sponsor, i collezionisti e così via . L'economia del 21° secolo non solo ha risucchiato molti soldi dalle arti, ma li ha anche spostati in modi imprevedibili e non del tutto negativi. Sono emerse nuove fonti finanziarie, in particolare siti di crowdfunding; quelli vecchi stanno tornando, come il mecenatismo privato diretto; alcuni di quelli esistenti stanno diventando più forti, come l'arte del marchio e altre forme di sponsorizzazione aziendale; altri stanno diventando più deboli, come l'occupazione accademica. Tutto questo sta cambiando anche ciò che viene realizzato.

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Internet consente l'accesso non mediato al pubblico e all'artista. Se fa morire di fame la produzione professionale, favorisce quella amatoriale. Favorisce la velocità, la brevità e la ripetizione; novità ma anche riconoscibilità. Mette un premio su flessibilità, versatilità ed estroversione. Tutto questo (e molto altro) sta cambiando anche ciò che pensiamo dell'arte: cambiare ciò che pensiamo sia buono, cambiare ciò che pensiamo sia arte.

Sopravviverà l'arte stessa? Non intendo la creatività o la creazione di cose: suonare musica, disegnare immagini, raccontare storie. Abbiamo sempre fatto queste cose e lo faremo sempre. Intendo una particolare nozione di arte - Arte con la A maiuscola - che esiste solo dal 18° secolo: l'arte come regno autonomo di fare significati, non subordinato ai vecchi poteri della chiesa e del re o ai nuovi poteri della politica e del mercato, obbligato a nessuna autorità, nessuna ideologia e nessun padrone. Intendo l'idea che il lavoro dell'artista non è quello di intrattenere il pubblico o lusingare le sue convinzioni, non di lodare il signore, il gruppo o la bevanda sportiva, ma di dire una nuova verità. Sopravviverà?

La produzione e la distribuzione ora possono essere economiche o gratuite, ma questi non sono i veri costi per fare arte. I due costi principali sono rimanere in vita mentre ce la fai e diventare un artista in primo luogo, ed entrambi sono aumentati vertiginosamente.



Rimanere in vita significa, principalmente, l'affitto e l'affitto medio negli Stati Uniti è aumentato di circa il 42%, adeguato all'inflazione, dal 2000. Significa anche cibo, vestiti e trasporti. A questo si aggiunge il fatto che gli artisti tendono a mettere insieme fonti di reddito part-time, nessuna delle quali arriva con benefici, circostanza che li lascia ancora più esposti degli altri lavoratori al costo sempre crescente dell'assistenza sanitaria. Essere in grado di imparare e affinare il proprio mestiere significa anche attrezzature come strumenti e forniture artistiche; anche il software non è economico.

Il tempo creativo, per essere di qualsiasi utilità, deve essere libero da interruzioni. Hai bisogno di spazio per sprofondare nella tua trance. Ma l'interruzione è inevitabile nell'economia dell'attenzione, che si concentra sul trio sovrapposto di auto-marketing, auto-promozione e auto-marchio. Questo è vero, va detto, anche se, a rigor di termini, non lo fai da solo. Anche se sei ancora affiliato all'industria culturale, devi fare molto. Gli autori, ad esempio, ora funzionano effettivamente come partner con le loro case editrici nel lavoro di marketing e pubblicità: un'aspettativa, mi ha detto un insider del settore, che si è sentita inclusa nell'anticipo. Ai vecchi tempi, quando finivi un romanzo, disse una volta Martin Amis, lo consegnavi e basta.

Jeff Tayler (non è il suo vero nome) era il frontman e la forza creativa dietro, una band indie emergente quando si è allontanato del tutto dalla musica, così stufo era lui di tutte le richieste promozionali che la loro etichetta stava facendo: mantenere una costante presenza sui social media; pubblicare foto, video e brani musicali; per blog sui loro spettacoli; per raggiungere e rispondere a giornalisti musicali e blogger. Non vogliono una band, mi disse in quel momento. Vogliono un reality. Più tardi ha detto che volevo scrivere, e volevo pensare, e volevo andare in profondità, ma non potevo davvero, perché venivo costantemente chiamato in superficie. Eppure non è che avesse una scelta, qualunque cosa l'etichetta avrebbe voluto, perché a malapena te la cavi professionalmente. Potresti essere popolare e avere fan, ma hai bisogno di tutto l'aiuto che puoi ottenere. Quindi accetti di fare quella settima intervista per un blog musicale – è un quindicenne in soffitta, [ma] potrebbe avere in realtà un mucchio di follower – anche se questo ti distruggerà la giornata. Tayler non poteva più fare musica. Era troppo impegnato a fare il musicista.

Tayler non poteva più fare musica. Era troppo impegnato a fare il musicista.

Non devi odiare i social media per sentirti in questo modo. È possibile essere giovani, abili nel marketing sociale e tuttavia intensamente ambivalenti al riguardo. Potrebbe, infatti, essere più la norma che l'eccezione. L'illustratrice Lucy Bellwood, nata nel 1989, mantiene una solida presenza su più piattaforme e ha un track record di successo su Kickstarter e Patreon. Che aspetto ha cercare di creare una connessione umana reale e vulnerabile con 7.000 persone su un profilo Twitter? si chiese. Ci viene chiesto di estendere i confini di quelle che di solito sarebbero le tue amicizie più intime agli estranei, e quella connessione è il collante che tiene insieme la tua vita fiscale. E questo è davvero magico per me e anche totalmente terrificante.

Il fatto centrale della situazione dell'artista ora è che non c'è più niente a proteggerti dal mercato. Gli artisti non rappresentano un tipo speciale di attore economico: appartengono piuttosto alla loro età. Erano artigiani quando gli artigiani erano comuni; erano professionisti nell'era dei professionisti e bohémien in un'epoca in cui fioriva il bohémien. Così è nel 21° secolo. Viviamo in un'epoca di atomizzazione economica, un'epoca in cui sempre più di noi non sono professionisti permanentemente attaccati alle istituzioni, non lavoratori permanentemente attaccati ai datori di lavoro e, Dio solo sa, non imprenditori, ma semplicemente produttori: particelle libere sul mercato, trovando che lavoro possiamo per quanti soldi possiamo, ed esporsi senza protezione ai capricci del mercato.

Operare nel mercato inculca una personalità di mercato. Nell'era digitale, l'artista è immancabilmente geniale, allegro, riconoscibile. Gli artisti di oggi sono persone familiari, umili e normali. Hanno bisogno di coinvolgere il loro pubblico, quindi sono coinvolgenti. I loro sostenitori cercano ispirazione in loro, quindi sono incoraggianti. Sono ingrazianti e seri, senza rabbia né vantaggio. E qual è quella personalità, quella personalità positiva, schiva, sorridente e lustrascarpe, se non commerciale? È il sorriso del commesso, la cordiale stretta di mano del venditore, perché il pubblico ora è una base di clienti e il cliente ha sempre ragione.

I mercati, quando funzionano correttamente, sono meccanismi per trasmettere i segnali del desiderio.

Il mercato, così come è stato alterato da internet, ha anche accelerato il ritmo tradizionale della produzione artistica. Possiamo immaginare l'effetto di un tale clima sui nervi degli artisti, per non parlare del loro morale. Anche l'effetto sull'arte è evidente. Ironia, complessità e sottigliezza sono fuori; il gioco è vinto dal breve, dal brillante, dal forte e dal facile da afferrare.

Internet, inutile dirlo, non ha dato vita a quel tipo di arte che sollecita una risposta più puramente viscerale, o fa appello al minimo comune denominatore, o è costruita per durare solo un giorno. Ma ha costretto tutto sullo stesso campo di gioco a competere alle stesse condizioni, termini che favoriscono fortemente tale lavoro. Prima dell'arrivo di Internet, leggevamo romanzi su libri e storie su riviste, ascoltavamo musica allo stereo o alla radio, guardavamo film al cinema e spettacoli televisivi e guardavamo immagini in musei, gallerie o libri d'arte. Ogni modulo aveva i suoi formati separati e il passaggio dall'uno all'altro era un processo relativamente dispendioso in termini di tempo (oltre che di adattamento del cervello). Ora prendiamo tutti i moduli in un unico posto e possiamo passare da uno all'altro nel tempo necessario per toccare un dito.

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Il derby darwiniano dell'attenzione non avviene solo tra le diverse arti, ma anche al loro interno. La registrazione jazz compete con la canzone pop, la storia newyorkese con la lista, il film indie con il video di YouTube. Prima di Internet, era improbabile che qualcuno che stava leggendo la Paris Review si fermasse improvvisamente e prendesse una copia del National Enquirer. Non ne avevano uno e probabilmente non ne avevano nemmeno aperto uno. Ma ora la mossa equivalente, poiché Internet ci tira per sempre la manica, è sempre una possibilità imminente.

Non solo tutto deve competere con tutto il resto, ma tutto deve competere, punto e basta. In passato, uno dei principali modi in cui l'industria culturale sosteneva lavori più sottili, ponderati o artisticamente ambiziosi era attraverso sovvenzioni incrociate. L'intrattenimento ha pagato l'arte: il thriller ha sostenuto la poesia, la pop star ha sostenuto la ragazza con la chitarra, il blockbuster ha fatto galleggiare la divisione d'essai. Riviste e giornali erano essi stessi una forma di sussidio incrociato, con i servizi di moda oi reportage sportivi che rendevano possibile la fiction o il pezzo investigativo profondo. Così erano gli album: il singolo in primo piano, per la trasmissione radiofonica; i tagli profondi per l'arte e l'anima. Ma ora è ogni vasca sul proprio fondo. Tutto è stato disaggregato; ogni canzone, ogni storia, ogni unità deve ripagarsi da sola. Niente più tagli profondi.

Quando il mercato è tutto, tutto viene risucchiato nel mercato.

Non esiste una risposta univoca ai problemi dell'economia artistica. Ci sono solo molti parziali, piccoli. Nella misura in cui ci sono risposte più ampie, si trovano completamente al di fuori delle arti. Per aggiustare l'economia delle arti, in altre parole, bisogna aggiustare l'intera economia. Il che significa, poiché l'unica risposta efficace al potere della ricchezza concentrata è il potere dell'azione coordinata, che dobbiamo organizzare.

Gli artisti, come ho spiegato, non sono solo lavoratori. Sono anche capitalisti in miniatura: persone che producono e vendono il loro lavoro sul mercato aperto. Qui, infatti, si stanno organizzando. È in corso più di un piano, ad esempio, per sviluppare un registro blockchain (la stessa tecnologia utilizzata nelle criptovalute come Bitcoin) per rimediare a un'ingiustizia di vecchia data e soprattutto irritante: l'assenza di una royalty di rivendita per l'art. Quando qualcuno compra un tuo lavoro e poi lo vende 10 anni dopo, diciamo, per cinque volte tanto, non ne vedi un centesimo, anche se di solito è la tua continua produttività: il valore del lavoro che hai fatto nel frattempo, questo è responsabile di tale apprezzamento. Un registro consentirebbe agli artisti di mantenere una partecipazione nel loro lavoro (cioè una quota di proprietà frazionaria), la cifra usuale proposta è del 15%. Una versione è stata sviluppata da Amy Whitaker, scrittrice ed educatrice, in collaborazione con altri; un secondo è nelle opere di Working Artists and the Greater Economy, un'organizzazione di attivisti con sede a New York. Quest'ultimo includerebbe anche una serie di diritti morali: il diritto di avere un contributo su come viene mostrata l'opera, di riaverla indietro per un paio di mesi all'anno, di bloccarne l'uso come strumento finanziario. Il punto è stabilire il principio che un'opera d'arte non è semplicemente un'altra merce.

Tali sforzi e proposte sono ammirevoli. Sono anche chiaramente incommensurabili con la portata del problema generale. Non è colpa loro, né significa che non valga la pena farlo. Il problema inizia con Giant Tech. La Silicon Valley in generale, e i giganti della tecnologia in particolare, soprattutto Google, Facebook e Amazon, hanno progettato un vasto e continuo trasferimento di ricchezza dai creatori ai distributori, dagli artisti a se stessi. Più economico è il contenuto, meglio è per loro, perché stanno misurando il flusso, contando i nostri clic e vendendo i dati risultanti, e vogliono che il flusso sia il più agevole possibile. Qualsiasi soluzione reale deve iniziare anche da lì.

Praticamente tutti coloro con cui ho parlato sulla questione sostengono una revisione del Digital Millennium Copyright Act, il DMCA, che è stato progettato per aggiornare la legge sul copyright per l'era digitale. Quando la legge è stata approvata, nel 1998, Google aveva cinque settimane, YouTube non esisteva ancora, Mark Zuckerberg stava iniziando il liceo e Napster era a un anno dal lancio. Non è stato progettato per affrontare la pirateria sulla scala che stava per esplodere.

Takedown deve diventare stay down, quindi i file non possono essere ripristinati di nuovo. Dovrebbe essere istituito un tribunale per le controversie di modesta entità per la violazione del copyright, in modo che i singoli artisti, non solo i conglomerati dei media, possano permettersi di citare in giudizio per danni. Il fair use, la disposizione della legge sul copyright che consente esenzioni limitate (come la citazione per scopi accademici o il campionamento a fini satirici), che Google e altri hanno cercato incessantemente di espandere, deve essere mantenuta entro i limiti tradizionali. Nel 2019, l'Unione Europea ha approvato una legge fondamentale, come ha spiegato il New York Times, che richiede alle piattaforme di firmare accordi di licenza con musicisti, autori e altri prima di pubblicare contenuti, in effetti, per rimuovere il materiale illecito in modo proattivo. Una norma comparabile dovrebbe essere emanata negli Stati Uniti.

Ma queste misure riguardano solo il diritto d'autore. Il problema più grande è il vantaggio selvaggiamente sproporzionato che le piattaforme di monopolio possiedono nella lotta sui prezzi. Per cominciare, quel prezzo è spesso misterioso. Non sappiamo quanto pagano le piattaforme, in molti casi, perché non sono tenute a dircelo. Ecco perché le tariffe per lo streaming musicale (0,44 centesimi su Spotify, 0,07 centesimi su YouTube) sono solo un'ipotesi, così come la tariffa per pagina che Amazon paga tramite Kindle Unlimited (il suo Spotify per gli e-book). Gli artisti non hanno nemmeno le informazioni su cui negoziare: vale a dire, quanti soldi stanno ricevendo i servizi. Quanto genera Kindle Unlimited, ad esempio? Amazon non sta parlando. E anche se avessimo queste informazioni, è improbabile che le piattaforme negoziano. Ciò che la preoccupa davvero, mi ha detto la regista Ellen Seidler, è che nessuno è disposto a mettersi al tavolo dall'altra parte. Invece, ha detto, gli artisti sono stati diffamati in modo abbastanza orchestrato. Le nostre voci sono state soffocate. È David contro Golia.

Quello che è meno chiaro è cosa si può fare per creare una distribuzione più equa dei molti miliardi di dollari che i contenuti demonetizzati continuano a generare, per recuperare i soldi che i monopoli tecnologici hanno strappato via. I lavoratori possono organizzarsi per salari più alti. Quando i produttori collaborano per fissare i prezzi, anche solo immaginando che una cosa del genere fosse possibile qui, dato quanto è incredibilmente dispersa la produzione di contenuti ora, si chiama collusione ed è illegale. Il governo non può nemmeno fissare i prezzi, inutile dirlo.

Ma c'è una cosa che il governo può fare e, come le persone hanno iniziato a rendersi sempre più conto negli ultimi tempi, deve assolutamente farlo. Deve rompere questi monopoli. Ci sono già mosse in quella direzione. Nel 2019, il governo federale ha avviato indagini antitrust su quattro dei Big Five, con il Dipartimento di Giustizia che esamina Google e Apple e la Federal Trade Commission che si assume la responsabilità di Amazon e Facebook. La Commissione Giustizia della Camera ha anche annunciato piani per un'indagine. Nello stesso anno, la Corte Suprema, in una decisione su una causa sull'App Store di Apple, ha segnalato la volontà di rivisitare il suo approccio alla legge antitrust, una mossa che era attesa da tempo. [Da quando questo libro è stato pubblicato, entrambi stato e federale sono state intentate cause antitrust contro Google.] Tali sforzi per frenare l'apice dei predatori della tecnologia, nella frase della giornalista Kara Swisher, non devono essere fatti deragliare. I poteri dei monopoli tecnologici di violare la legge, dettare condizioni, soffocare la concorrenza, controllare il dibattito, plasmare la legislazione, determinare il prezzo: tutto questo deriva direttamente dalla loro dimensione, ricchezza e dominio del mercato. Sono troppo grandi, troppo ricchi e troppo forti. E dobbiamo farlo prima che sia troppo tardi.

Le arti, si dice spesso, sono ecosistemi . Ciò significa che i grandi talenti, con i loro risultati durevoli e trasformativi, non cadono dal cielo, che la loro comparsa dipende da una miriade di altri individui: insegnanti dell'infanzia, primi mentori, rivali e collaboratori per tutta la vita, ognuno dei quali deve avere un modo anche per guadagnarsi da vivere. Significa che le istituzioni (il club locale, il teatro da 99 posti, l'etichetta indipendente e la stampa indipendente) possono sopravvivere solo con una massa critica di artisti da servire, che a loro volta dipendono dalle istituzioni. Significa che anche i progetti piccoli o mediocri hanno il loro valore, perché danno ai creatori esperienza e forse uno stipendio, così possono restare e lavorare un altro giorno. Vuol dire che gli artisti non possono fare il loro lavoro se non possono farlo anche gli altri: il tecnico delle luci, il copy editor, chi tiene i libri o controlla i cappotti o vende la birra. Significa che gli artisti coesistono in reti, aiutandosi a vicenda a trovare lavoro, stanze economiche, opportunità, ma solo finché sono in grado di rimanere nell'arte.

Mentre le istituzioni tremano e si sgretolano, i professionisti a tutti i livelli stanno perdendo la loro autonomia, la loro dignità, il loro posto.

Ma tutte le comunità sono ecosistemi, non solo le arti. Anche nell'ecosistema economico più ampio, le balene stanno ingrassando facendo morire di fame il plancton. Il consolidamento verso il monopolio sta colpendo quasi tutti i settori ed è la principale causa della caduta dei salari. La tendenza verso il lavoro a contratto scarsamente retribuito - lavoro a contratto, lavoro a cottimo, lavoro temporaneo - è praticamente onnipresente. Mentre le istituzioni tremano e si sgretolano, i professionisti a tutti i livelli stanno perdendo la loro autonomia, la loro dignità, il loro posto. La ricchezza sta salendo ovunque e ovunque la classe media sta scomparendo.

Alcune delle persone con cui ho parlato credono che la soluzione per le arti sia un migliore finanziamento pubblico. Altri pensano che abbiamo bisogno di un reddito di base universale. Queste possono essere entrambe buone idee, ma non credo che risolverebbero il problema. Vuoi che il mercato abbia un voto, perché vuoi che il pubblico abbia un voto. In effetti, vuoi che il pubblico abbia la maggior parte dei voti.

I mercati, quando funzionano correttamente, sono meccanismi per trasmettere i segnali del desiderio, in un linguaggio più semplice, per dire ciò che vogliamo. Quello che non vogliamo è che l'arte sia tagliata fuori da questo, tagliata dal gusto popolare; affinché i burocrati nei consigli di finanziamento delle arti ci dicano cosa volere. Ma i mercati devono funzionare correttamente. Il reddito di base universale mi sembra la risposta sbagliata alla domanda giusta. Sì, bisogna mettere i soldi nelle tasche delle persone, ma meglio farlo organicamente, non semplicemente per fiat, meglio farlo, in altre parole, ripristinando l'intero ecosistema, ricostruendo la classe media. Ciò significherebbe annullare gran parte di ciò che abbiamo fatto per arrivare qui: smantellare i monopoli; aumento del salario minimo; invertire decenni di tagli alle tasse; ripristinare l'istruzione superiore gratuita oa basso costo; autorizzare i lavoratori, ancora una volta, ad organizzarsi, piuttosto che ostacolarli con insistenza. Significherebbe anche aggiornare le leggi e i regolamenti modellati per un'economia del passato per riflettere quella che esiste effettivamente: ovviamente, estendendo i tipi di tutele di cui godono i dipendenti a tempo pieno: salute e altri benefici, tutele contro discriminazioni e molestie, il diritto impegnarsi nella contrattazione collettiva, al crescente esercito di impiegati e lavoratori a contratto. Non dovresti essere un vincitore per non essere un perdente.

Tratto da LA MORTE DELL'ARTISTA: Come i creatori stanno lottando per sopravvivere nell'era dei miliardari e della Big Tech di William Deresiewicz. Pubblicato da Henry Holt and Company luglio 2020. Copyright 2020 di William Deresiewicz. Tutti i diritti riservati.

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